河大艺考整理：我的电影观念和我的创作（二）

我的电影观念和我的创作（二）

　　但是，爱森斯坦认为，如果这一发明能够恰当地、富有意义地加以利用，那就会带来形式创造的革新。爱森斯坦对“富有意义”做了解释，他认为，这就是指以对位方式利用声音。

　　总之，他预言，声音与画面的“贴合”将是电影做为艺术的末日。相反，应该让声音与画面分立，以便造成两者之间的冲击效果。

　　大家知道，冲击效果的理论在爱森斯坦那里是十分重要的。在讨论镜头的蒙太奇时，他发展了这一理论。

　　在文学中，不存在蒙太奇这一概念。蒙太奇在技术上说是对拍摄在胶片上的不同片断的剪接。爱森斯坦把它发展为系统的组接理论，即可以利用不同形式、不同方法创造出一种冲突力—画面之间的冲击力。

　　对此，他还做了补充，他主张可以借助声音创造出附加的冲击力，可以在继续保持画面之间蒙太奇的冲击力的同时，增添声音和画面之间的附加冲击力。

　　爱森斯坦的担忧是有道理的。我们清楚地看到，当时，不仅声音只是用于加强画面的真实感，连画面的蒙太奇的冲击效果也很快消失殆尽了。

　　我非常不赞成说我属于“新浪潮”，我从来就属于、并且仍然属于法国新浪潮的一切做法的激烈反对派。当然，戈达尔除外。因为，让一吕克·戈达尔是站在爱森斯坦一边，而新浪潮所有其他的人，尤其是特吕弗、夏布罗尔等人都是完全站在商业性现实主义电影一边。

　　你们一定听说过(因为你们专门研究这方面问题)新浪潮的理论家安德烈·巴赞。可以说，他与爱森斯坦是针锋相对的。巴赞反对爱森斯坦的“冲击论”，提出了“无冲击论”，即“场景连续论”。巴赞还为“无冲击论”制订出具体公式，比如，他指出:最好的蒙太奇是无蒙太奇，因为，在自然中不存在缀合关系。但是，显然无法摒弃蒙太奇，因为人们不可能连续地、不停机地拍摄一部影片，而巴赞和整个法国现实主义流派提出的剪辑理论不过是主张让观众看不到连缀痕迹的最好的连缀罢了。

　　爱森斯坦自认是坚定的共产党人，是维护马克思主义艺术理论的，他似乎认为，有声电影这个美国人的恶魔般的发明将毁灭作为艺术的电影，它是受资产阶级影响的产物;爱森斯坦要求他的苏联同事们借助辩证法抵制这种恶劣的写实主义倾向。辩证法就是利用对立面的冲击促进历史的发展。

　　有一点需要指出，历史上，马克思主义的辩证法根本没有保护苏联电影抵制住资产阶级的现实主义，相反，很快充斥了苏联电影的这种现实主义和官僚主义却调准矛头反对爱森斯坦。……

　　现在，在法国有一些电影作者，即不迫求商业性的导演，他们正在努力恢复艺术的力量，恢复无声电影的艺术力量。

　　除了我的影片之外，当然应当指出让一吕克·戈达尔的影片，以及一些不甚知名的导演，如雅克·里维特的作品，他们力求重新赋予电影以冲击力。这种电影将会重新找到一种独特的语言，而绝不是文学语言的摹仿。

　　电影的创作条件与文学的创作条件之间的对比将是一个非常广泛的话题，因为几乎一切都是对立的。在这里，我们暂且仅举几例。

　　让我们考察一下使电影影像与文学叙述相对立的一些特性。

　　首先，影像是有景框的。在现实主义的理解中，这个景框是没有意义的。景框犹如窗框，而这扇窗户是向世界敞开的。在现实主义的理解中，物质元素消失了，银幕似乎是透明的。我们透过它可以着到世界。而且，巴赞的理沦认为，随着宽银幕和景深镜头的出现，景框趋于消失。

　　但是、所有摆布画面的导演都知道，景框是十分重要的。景框括出了使世界的可见部与一世界的未见部相对立的一个断裂面。导演始终应当善于处理“内”、“外”的不同，即画面内外的区别。文学不受任何景框的限制，除了描写一个人物凭窗眺望的情景。作品整体绝无景框可言。

　　其次，画面是整体展现，文字的描述则不然。即，当银幕闪亮，画面呈现时，你得到的是同时出现于银幕上的一组信息。在这个画面中，有的物象立即映入眼帘，有的物象迟一些被看到，另一些物象则全然不被察觉。每个观众面对这个银幕、这个画面将有不同的反应。经验证明，不同观众所见的东西是不同的，而文字材料从第一个词开始，第二、第三……要一直连续读下去，读者自然而然地循着一种线性轨迹，即使作品不是线性的叙事结构。

　　第三，对立。画面是现在时。即使我们看到的是法语中所说的“闪回”，即使涉及的是回忆，任何画面特性也显示不出现在、过去和将来的差别，画面永远是现在时态的画面。

　　这就是说，文学能够利用一系列表现时间的语法手段(法语可能比汉语更丰富些，因为法语动词有各种变位)，在电影画面中完全没有这类相应的手段。

　　第四点，也是我要指出的最后一点，即电影画面是断续性的，这是它的本性。确实，不可能连续不断地拍完一部影片，这在技术上是不可能的。摄影机总要有停机的时候，总要有切换;拍摄好一个动作或背景之后，再把它们与另外的场景组接起来。
　　　　
        因此，在电影中，“镜头”是一个特别重要的概念、它指摄影机从开拍到停拍之间的过程中拍下的场面，镜头是有切换的。

　　在文学中根本不存在“镜头”这个概念，印在文学中没有画面的切换或组接。我自己的经验表明，在讲授电影时，这是最难让文学系学生弄明白的概念之一。

　　因此，在现代电影中(我属于现代电影)，我们并不希望让电影的这些特性消失，相反，我们希望突出这些特性。突现景框的存在，突现切换和组接，突现一切都是现在时的效果(尽管可能是过去的场面)。用更概括的话来说，就是指明一切物质元素。现代艺术是明确表现出自己的物质元素的。比如，从塞尚以来的绘画无不突现画笔的笔锋。不是掩藏画笔的笔锋，不是让观众看不出画家的运笔，而是通过画作显露出画笔的痕迹。因此，电影也要突现它的物质元素，突现作为银幕的银幕，以及一切有关的元素，比如突现作为演员的演员这一元素。

　　我认为，在这里，布莱希特的表演理论可以，也应该直接用于电影。

　　你们知道，布莱希特说过，在戏剧中，观众看到的不是一个人物，而是一个演员正在表演一个人物。这就是说，演员每时每刻都是作为演员出现的。

　　当然，在商业性现实主义影片中，情况相反，人们认为最好的演员是能够让人忘掉他是演员。似乎在闪亮的银幕上，一扇窗户向世界敞开，通过窗户我们看到了一个真实的人物，看到真实的人。　　
　
      对电影来说，在演员面前有一个特别重要的物，这就是摄影机。你们知道，在文学中，视点可以由叙述文字加以明确，而在电影中视点必然是明确的。

个人补充:

可能大多数同学对布莱希特的理论不熟悉。我做个简单介绍，布莱希特主张打破观众的幻觉，提出“间离”效果，就是让观众从幻觉中脱离出来，以理性来观察舞台上发生的一切。就表演方法而言，“间离方法”要求演员与角色保持一定的距离，不要把二者融合为一，演员要高于角色、驾驭角色、表演角色。